Ecole Primaire Les Cèdres Quetigny

Joan Miro

"Constellations"

1939-1941

Il s’agit d’un ensemble d’œuvres peintes entre 1939 et 1941.

Même si elles portent toutes un nom différent, ces tableaux ont été regroupés  sous l’appellation « Constellations » pour l’exposition de 1945 à la galerie Pierre Matisse de New-York.

Le biographe Jacques Dupin dira de cette exposition : « Par un singulier destin, les Constellations seront les premiers témoignages artistiques à parvenir d'Europe aux États-Unis d'Amérique à la fin de la guerre. L'exposition que Pierre Matisse en a fait en 1945 a été accueillie avec une très grande ferveur. »

Cette série de peintures commence par « La Femme au cerf-volant parmi les constellations ».

Joan Miro l’avait travaillée quand il séjournait chez son ami et collègue Georges Braque. Il l’avait poursuivie en Espagne à Vic et Mont-Roig.

Combien de tableaux composent cette série ?  On ne sait pas précisément. On en décompte entre 23 et 30 selon les biographes ou selon la Fondation Miro de Barcelone.

En tous les cas, l’écrivain André Breton s’est appuyé sur 24 de ces œuvres pour l’écriture des poèmes d’un recueil intitulé « Constellations », ouvrage édité par Pierre Matisse en 1959. Ces textes sont illustrés de 24 fac-similés des peintures de Miro.

André Breton commente de cette façon  ces fac-similés :

« Dans une heure d'extrême trouble, celle qui couvre de la première à la dernière ses constellations, il semble que, par une tension réflexe au plus pur et à l'inaltérable, Miró ait voulu déployer, dans l'éventail de toutes les séductions, le plein registre de sa voix. N'importe où hors du monde et, de plus, hors du temps, mais pour mieux retenir partout et toujours, jaillit alors cette voix au timbre de si loin discernable, qui s'élève à l'unisson des plus hautes voix inspirées. Pour peu qu'on y songe, du rapport d'une telle œuvre aux circonstances qui l’ont vu naître se dégage le même pathétique que la négation éperdue du chasseur dans le chant d'amour du coq de bruyère. »

Toutes les œuvres de cette série de peinture portent des noms à rallonge aux sonorités poétiques. Miro prenait beaucoup de plaisir à compléter son travail pictural de textes comme « Une goutte de rosée tombant de l’aile d’un oiseau réveille Rosalie endormie à l’ombre d’une toile d’araignée » – 1939 – 65 x 92 cm – The University of Iowa Museum of Art, Mark Ranney Memorial Fund.

Joan Miro - Une goutte de rosée tombant de l’aile d’un oiseau réveille Rosalie endormie à l’ombre d’une toile d’araignée

La plupart des tableaux de la série des Constellations appartiennent désormais à des collectionneurs privés comme la « Femme à la blonde aisselle coiffant sa chevelure à la lueur des étoiles » (1940) – gouache et peinture à l’essence de papier, 38 x 46, collection particulière.

Joan Miro - Femme à la blonde aisselle coiffant sa chevelure à la lueur des étoiles

Ou encore les « Femmes encerclées par un vol d’oiseau » (1941) – peinture  sur essence de papier, 40 x 38 cm, collection particulière.

Joan Miro - Femmes encerclées par un vol d'oiseaux 

Les plus célèbres constellations peuvent être vues à la Fondation Joan Miro de Barcelone. C’est le cas de « L’Etoile du Matin » (1940) – Tempera, gouache, pastel sur papier - 38 x 46 cm.

Joan Miro - L'étoile du matin

Cette œuvre a été peinte à Vic en Espagne. Joan Miro a parlé de ce travail à Roland Penrose en ces termes : « Une fois terminé mon travail à la peinture à l'huile, j'ai trempé mes pinceaux dans l'essence, et je les ai essuyé sur des feuilles blanches sans idée préconçue. Ce barbouillage m'a mis de bonne humeur et a provoqué la naissance de multiples formes : personnages animaux, étoiles, ciel, lune, soleil(…) »

En mélangeant les matériaux qu’il utilise, le peintre arrive à créer un monde d’une richesse incroyable dont les éléments fourmillent sur un fond gris, bleu, ocre. Cela donne un ensemble vaporeux dans lequel la mine de crayon passe et repasse, tourne dans tous les sens. La ligne prend vie, semble s’emmêler. Elle des tours autour de formes étranges où on croit deviner une animal à quatre pattes avec des crocs et une langue rouge en forme de flèche dont l’extrémité devient noire.

Sur la droite on croit deviner une femme dans la représentation habituelle qu’en fait Miro : une amande entourée de poils. Cette forme possède cinq yeux, ce qui lui permet de regarder dans toutes les directions du tableau. C’est une métaphore pour exprimer l’idée qu’elle contemple tout l’univers.

Un autre de ces tableaux célèbres de la série « Constellations » est exposé à New-York au Metropolitan Museum of Art. Il est intitulé « Vers l’arc-en-ciel » (1941) – Gouache et peinture à l’essence sur papier. Cette toile fut peinte à Mont-Roig en Catalogne.

Elle est paradoxalement très rigoureuse dans un foisonnement au mouvement ordonné comme une horloge. Joan Miro utilise des couleurs pures d’où dominent le bleu outremer, les jaunes, verts, orangés. Même en emploi restreint, ces teintes sont si bien agencées qu’elles donnent une impression de richesse et de puissance.

Posées sur des fonds rose, gris, ocre et piqueté de blanc, un rassemblement de formes diverses semble monter vers le ciel. L’idée d’un chemin vers l’espace est suggérée par deux lignes qui se rejoignent au milieu de l’œuvre sous une sorte de tête noire ornée d’un bandeau bleu en guise d’yeux. D’autres formes se détachent de cette « tête », de couleur noire aussi avec des tâches vertes ou oranges comme un nez et des oreilles. Les yeux-nouilles rappellent que l’artiste était pataphysicien, c’est-à-dire proche des idées exprimées dans le livre d’Alfred Jarry en 1897-1898, « Gestes et Opinions du Docteur Faustroll, pataphysicien », une science des solutions imaginaires cherchant des solutions particulières à ce qui ne se cherche pas, en somme une approche artistique de la science ou, à l'inverse, une approche scientifique de l'art. Une démarche à l’image du personnage de la pièce de théâtre de Robert Flers et Gaston Arman de Caillavet, intitulé « La belle Aventure », qui disait : « Je m’applique volontiers à penser aux choses auxquelles je pense que les autres ne penseront pas. »

Joan Miro - le Carnaval d'Arlequin

 

Joan Miro - Le Jardin - 1925 - (version sur aluminium)

Vidéo animation - Le jardin de Joan Miro

Autre film d'animation sur l'oeuvre de Joan Miro

Voici d’autres œuvres de Miro dans le même style pictural.

Avant de développer son style de peinture très spécifique et reconnaissable (un aspect du surréalisme), Joan Miro avait peint dans les années 1920 dans un style plus détailliste, presque naïf.

En voici quelques œuvres :

Joan Miro - Village et église de Mont-Roig - 1919

Joan Miro - La Ferme - 1921-1922

Galerie de photos

Coloriages à imprimer 

Vidéo sur le travail de Joan Miro

Liens vers des articles d'histoire de l'art 

Histoire d'une oeuvre / Les montres molles - "La persistance de la mémoire" - Salvador Dali - 1931

Histoire d'une oeuvre / Piet Mondrian et le groupe De Stijl - Début du XXème siècle

Mouvements artistiques - Le Surréalisme et le mouvement Dada

Les montres molles

"La persistance de la mémoire" – 1931

Salvador Dali

Huile sur toile - 24 x 33 cm

New-York – Museum of Modern Art

Pour comprendre cette toile comme une bonne partie de l'oeuvre de Salvador Dali, on peut revenir sur sa définition de ses objectifs artistiques.

Il disait : "Toute mon ambition consiste à matérialiser avec la plus impérieuse rage de précision, les images de l'irrationnalité concrète."

Pour se permettre d'atteindre cet état très paradoxal, Dali cherchait à provoquer en lui une tension telle qu'elle le place dans des états d'extrême angoisse. Par exemple, il fixait des corps d'insectes ou de hérissons morts. Il cherchait à brouiller la limite qui sépare l'imagination et la réalité. C'est la base du travail des surréalistes.

Cette situation quasi paranoïaque libérait en lui l'esprit de création. Cela produisait dans sa tête des images à plusieurs lectures dans lesquelles un objet réel pouvait avoir de nombreuses significations.

"La persistance de la mémoire" correspond parfaitement à cette approche surréaliste de l'art.

Le tableau impose au spectateur un monde reconnaissable mais pourtant étranger à une lecture conventionnelle. C'est un paysage onirique (du grec "oneiros" qui signifie "rêve", "songe"), aussi au sens propre de la psychanalyse qui a introduit ce mot dans le vocabulaire courant.

Cette impression de puissance est renforcée par la petite taille du tableau. Le spectateur ne voit d'abord qu'une vaste scène déserte avant de noter tous les menus détails du premier plan, entre autres les différentes montres molles à différents stades de leur désintégration.

En considérant que les montres (donc le temps et la mémoire) peuvent fondre et se ramollir jusqu'à se liquéfier, le peintre pose l'idée que nos moyens de compréhension du monde psychique ne sont pas si puissants et si efficaces que cela, et en particulier notre perception du temps.

Dix ans plus tôt, en 1920, Albert Einstein publiait sa fameuse théorie générale de la relativité dans laquelle il expliquait que la gravitation était une déformation de l'espace-temps.

Salvador Dali traduit presque littéralement dans "La persistance de la mémoire" cette idée de la déformation du temps.

L'oeuvre pose aussi la question de notre mort inéluctable.

Montrant chacun un horaire différent, les cadrans indiquent également que la mort est la fin de tous mais pas au même moment. En clair, l'idée de la mort est à la fois commune et individuelle.

Détails du tableau

1/ Les montres molles

Cette idée est venue à Dali un soir d'été. Il était victime de migraine. Cela l'empêcha d'aller au cinéma avec sa femme Gala. A la fin du repas, il remarqua le camembert qui coulait sur le bord de l'assiette. Alors qu'il contemplait le paysage sur lequel il travaillait, il eut alors l'idée d'y ajouter les montres molles. Quelques heures plus tard, le tableau était achevé.

2/ La créature étrange

On voit au premier plan un personnage étrange sur lequel une montre molle s'est enroulée. C'est une caricature de Dali lui-même qu'on retrouve dans un autre tableau. L'oeil immense de la créature s'est fermé. Elle est dans une position de contemplation, de sommeil ou de mort. Pour Dali, il faut surmonter les limitations du temps terrestre pour libérer sa conscience.

3/ le paysage désert

Côte rocheuse de Port Lligat

Il s'agit de la côte rocheuse près de sa maison de Port Lligat, au nord de Barcelone.

Sous le pinceau de Dali, souvent, les roches prennent la forme de créatures étranges. Par contre, ici, elles sont plutôt réalistes dans une lumière quelque peu mélancolique.

4/ Les fourmis

C'est la hantise de Salvador Dali, un symbole de putréfaction. Ce sont ici les seules créatures vivantes du tableau. Elles grouillent sur la montre orange. La mort fait son oeuvre...

Biographie de Salvador Dali

1922-1926

L'artiste suit des cours de peinture à l'Académie de San Fernando à Madrid. Il est très influencé par la cubisme et le mouvement Dada.

En 1926, il rencontre Pablo Picasso à Paris. Il commence alors à cultiver son personnage insolite et extravagant qui s'habille de façon bizarre avec une moustache digne de Diego Velasquez.

1927-1934

Salvador Dali et Gala

C'est la période de sa rencontre avec Elena Ivanovna Diakonova, plus connue sous le non de Gala. Leur liaison commence en 1929. Ils se marient en 1934.

Dali rejoint le groupe des surréalistes à Paris en 1929. L'année suivante, ils s'installe avec Gala dans une petite maison de Port Lligat, dans la province de Gerona, au nord de la Catalogne, en Espagne.

Ses positions ambiguës par rapport au fascisme (même s'il nie l'être) pose question au groupe des surréalistes qui l'excluent.

1935-1948

Dali participera à l'exposition surréaliste internationale de Londres en 1936.

Avec Gala, il va s'installer à New-York en 1940.

Son amitié avec Luis Buñuel sera mise à mal jusqu'à la brouille, Dali lui reprochant ses positions communistes et athées (pas de croyance en un dieu).

Il quittera les Etats-Unis en 1948.

1949-1989

Dali et Gala rentreront en Catalogne après la seconde guerre mondiale, même si le régime fasciste du général Franco est encore très puissant.

Son tableau artistique évolue alors vers la science et les mathématiques auxquelles il s'intéresse de plus en plus.

Il devient un catholique de plus en plus fervent.

En 1982, Gala meurt. Sept ans plus tard, il succombera à une crise cardiaque.

DALI et le Cinéma

Le surréalisme, fondé par André Breton, ne se limite pas à la peinture et à la littérature. Cela touche tous les arts, et même le cinéma.

Avant leur brouille, Dali et Luis Buñuel réaliseront les premiers films surréalistes.

Ils seront interdits dans de nombreux cinémas parce qu'ils transgressent de nombreuses limites acceptables pour l'époque, par exemple "Le chien andalou" en 1929 et "L'âge d'or" en 1930.

Plus tard, Dali collaborera avec Alfred Hitchcock. Il va concevoir les symboles de la célèbre séquence onirique du film "La Maison du Docteur Edwards" en 1945.

Objets et oeuvres inspirés des montres molles de Dali

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Histoire d'une oeuvre / Joan Miro - "Constellations" - 1939-1941

Histoire d'une oeuvre / Piet Mondrian et le groupe De Stijl - Début du XXème siècle

Mouvements artistiques - Le Surréalisme et le mouvement Dada

Histoire d'une oeuvre / Statues monumentales Moai - Île du Pâques - XIème- XVème siècle

Piet Mondrian et le groupe De Stijl

Ce groupe d'artistes naît en même temps que la publication du même nom. C'était aux Pays-Bas en 1917.

L'objectif pour les créateurs (l'artiste et poète Theo van Doesburg et le peintre Piet Mondrian), c'est de créer un forum pour les architectes, les décorateurs, les peintres.

Le groupe s'inspire de l'architecture moderniste de Frank Lloyd Wright (1867-1959) dont plusieurs maquettes sont exposées aux Pays-Bas durant l'année 1910.

Ils trouvent aussi leurs sources dans les écrits socialistes et utopistes et les récentes recherches sur l'abstraction. A cela, il faut ajouter le contexte de cette époque où des vitraux colorés commencent à apparaître aux Pays-bas dés la fin du XIXème (19 ème) siècle. Ils ont des surfaces teintées encadrées de lignes noires très fines. Ils influenceront la création du groupe, Piet Mondrian en tête mais aussi le décorateur Gerrit Rietveld (1888-1965).

On donnera le nom de néo-plasticisme à ce courant artistique dont le travail créatif fait le choix de se limiter aux trois couleurs primaires, plus le noir et le blanc. La composition est faite de ligne horizontales et verticales associées a des plans rectangulaires.

Pour maintenir l'équilibre et l'harmonie de l'ensemble, les artistes ne doivent pas recourir à la géométrie. Ces règles de base ne sont pas toujours respectées. Malgré tout, cela créera un style reconnaissable entre tous, même après la sécession de Mondrian en 1923.

L'association Cercles et Carré, à partir de 1929, organisera plusieurs expositions pour promouvoir le néo-plasticisme. Un d'entre elles est présentée à Paris à la Galerie 23 en 1930. On y verra des oeuvres de Piet Mondrian, mais aussi de Vassili Kandinsky (1866-1944), de l'architecte Le Corbusier et des membres du groupe Bauhaus.

Les trois peintres qui ont le plus d'influence dans le groupe De Stijl sont van Doesburg, Mondrian et Bart van der Leck (1876-1958). Ils commencent ce travail d'abstraction après avoir longtemps été des peintres figuratifs dans le style impressionniste et fauve. Ils représentaient alors le monde naturel.

En choisissant de réduire les formes naturelles, ils mènent droit leur travail vers l'abstraction.

Van Doesburg par exemple réalisera plusieurs croquis simplifiés d'une vache avant d'arriver à des formes purement géométriques. Il introduit dans ses oeuvres des lignes diagonales pour donner un effet dynamique comme dans "Contre-composition en dissonances - XVI" (1925).

Théo van Doesburg - Composition en dissonances - XVI (1925)

Piet Mondrian préfère s'en tenir aux ligne verticales et horizontales, sans diagonale.

Van der Leck rencontrera ces deux artiste desquels il s'inspirera pour son travail.

Les oeuvres des ces artistes (entre 1917 et 1919) sont si ressemblantes parfois qu'il est difficile de savoir qui en est l'auteur. Mais ces sont les tableaux de Piet Mondrian, à la fois précis et remplis d'harmonie, d'austérité, qui représentent le mieux ce courant artistique du début du XXème siècle.

Les oeuvres de Mondrian, malgré l'économie de moyens assez étonnante, ont une profondeur issue de l'intersection des lignes verticales et horizontales, avec la juxtaposition de plans colorés que le fond blanc qui permettent au spectateur de s'immerger au coeur de l'oeuvre.

Du point de vue de l'architecture et de la décoration d'intérieur, l'objectif est encore d'immerger le spectateur en cherchant à abolir la mystique de l'art pour le rendre accessible au quotidien. Le groupe De Stijl avance dans une même recherche aussi bien à l'intérieur qu'à l'extérieur. Leur désir est de créer une société où l'individu fusionne avec la communauté. Dés 1917, Gerrit Rietveld conçoit des meubles aux nouvelles formes architecturales. Ces objets d'intérieur modulaires sont considérés dés 1934 comme les premiers meubles à monter soi-même.

Le peintre, sculpteur et architecte Georges Vantongerloo(1886-1965), un des fondateurs du groupe, disait à propos de la démarche de De Stijl : "Il n'est pas nécessaire de parler de l'art dans des termes de la nature. Il est parfaitement possible d'en parler dans des termes de la géométrie et des sciences exactes."

Son oeuvre "Interrelation de volumes" en 1919 exprime complètement cette thèse. Sculpté dans un seul bloc de grès, elle ressemble autant à une version avant-gardiste de l'art qu'à des formes d'une civilisation ancienne.

Georges Vantongerloo - Interrelation de volumes - 1919

Pour ce qui est de Piet Mondrian, voici quelques oeuvres figuratives réalisées autour de 1907-1910, très loin encore de l'abstraction vers laquelle il tendra dix ans plus tard.

Piet Mondrian  - By the sea - 1907

Piet Mondrian - Villa next door - 1907

Le travail de De Stijl et Mondrian en particulier a toujours une grande influence sur la mode, l'architecture, le design et la décoration d'intérieur d'aujourd'hui. En voici plusieurs exemples...

Mappemonde dans le style Piet Mondrian

Galerie de photos d'objets et de lieux inspirés par Piet Mondrian

Coloriage à imprimer

Vidéo Piet Mondrian

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Le Surréalisme et le mouvement Dada

C'est l’un des courants les plus importants du XXème siècle. Le surréalisme naît à Paris dans les années 1920.

Son influence s’étendra jusqu’à la fin du siècle et même encore aujourd’hui.

 portrait du poète André Breton par Victor Brauner (1934) 

Son nom désigne d’abord le mouvement littéraire d’un groupe de poètes français en avance sur son époque (parmi eux André Breton et Louis Aragon). A travers ces œuvres, étaient décrits des événements bizarres ou fondés sur la coïncidence. La première fois que ce nom est utilisé, c’est sous la plume de Guillaume Appolinaire en 1917, mais il sera généralisé plus tard par André breton et Louis Aragon qui lui donneront ses fondements théoriques. En effet, pour ces artistes, l’art a pour but de libérer l’inconscient. Selon ces artistes, l’être humain est hanté par trois préoccupations majeures : le sexe, la violence et la mort. Et notre société occidentale et son cadre rigide ne permettent pas, selon eux, une vie harmonieusement instinctive de l’individu.

Plusieurs membres de ce cercle de pensée sont issus du mouvement Dada (début du XXème siècle), initié entre autres par Tristan Tzara, mouvement qui remettait en cause l’art officiel et son rôle collaborateur et consensuel dans les années d’avant première guerre mondiale. Les expressionnistes pensaient que la guerre permettrait un renouveau de l’art au contraire des dadaïstes qui pensaient que l’art officiel avait trahi l’Humanité et c’est le rejet de cet art qui donne tout son dynamisme à cette nouvelle conception de la création. Dans certaines pièces de théâtre dada de cette époque, en particulier dans une oeuvre de Philippe Soupault et Louis Aragon, on voit apparaître des acteurs dans le public qui remettent en cause à corps et à cris une pièce faussement traditionnelle et complètement déjantée. Tout cela se termine en lancers de fruits et légumes entre scène et salle. Le vrai sujet n’était le contenu de la pièce mais la manière de réagir à l’œuvre présentée, comme une remise en question de la forme artistique.  

Hugo Ball au Cabaret Voltaire en 1922

Pendant la première guerre mondiale, de nombreux artistes de cette mouvance partent en exil dont l’écrivain Hugo Ball (1888-1927) qui s’installe en Suisse. En mai 1916, avec d’autres amis artistes, il fondera le Cabaret Voltaire, à Zürich, là où seront présentées les premières performances Dada. Ce courant artistique se développera jusqu'à New-York grâce aux artistes français Marcel Duchamp (et son célèbre urinoir) et Francis Picabia.

En privilégiant l’absurde, Dada sape la croyance naïve et sans questions en l’efficacité de la raison et de la science. Il s’interroge sur ce qu’est une œuvre d’art et questionne la valeur culturelle de l’art. Il remet en cause les notions de valeur matérielle dans une société profondément matérialiste.

Le surréaliste André Breton apprécie fortement le mouvement Dada qu’il analyse dans  la revue « Littérature ». Il aime sa spontanéité et l’iconoclasme de sa pensée. Par contre, il rejette son côté nihiliste (destructeur, sans futur) et sa négation de l’art. Plusieurs écrivains et peintres feront le chemin de Dada vers le Surréalisme comme Louis Aragon et Max Ernst.  

Cependant André Breton pense que les collages dadaïstes représentent un instrument très intéressant pour la création poétique et la mise en avant d’aspects contradictoires de la réalité (la base du surréalisme). Dada permet ainsi d’accéder à une « sur-réalité ».

Max Ernst - Au rendez-vous des amis - 1922

Max Ernst sera l’un des spécialistes de ces collages. Il développera même des techniques de frottage consistant à passer une mine de plomb sur du papier qu’on pose sur différentes surfaces, aussi des techniques de grattage permettant des résultats inattendus et aléatoires avec des pigments travaillés sur une toile disposée au dessus de surfaces différentes.  Cela donne des formes fantastiques comme les animaux volants de son tableau « Monument aux Oiseaux ».

Max Ernst - "Le Monument aux Oiseaux" - 1927

Dans leur quête de nouveaux espaces de la pensée, ces artistes vont s’essayer à la création par de nouvelles approches : l’hypnose, la drogue, l’alcool ou la transe. Ils vont aussi s’intéresser aux associations d'idées, à l’ « écriture automatique » de poèmes. Naturellement, dans leur démarche de libération de l’inconscient, ils se rapprocheront de la psychanalyse de Sigmund Freud en s’inspirant de leurs rêves. Cela donnera aussi naissance à des « dessins automatiques » à la manière des poèmes cités précédemment.

L’artiste catalan Joan Miro (1893-1983) intégrera les surréalistes par l’intermédiaire d’André Masson (1896-1987). A son tour il se livrera à des créations de hasard. On parlera de son travail comme d’un art onirique. On peut aussi le qualifier d’ « halluciné ». En effet, les tableaux qu’il réalisera au début des années 1920 montre ses hallucinations provoquées par la faim. Les paysages qu’il a peints sont remplis d’étranges créatures amibiennes (unicellulaires) ou des personnages en forme de bâtons.

Le surréalisme, au-delà de ses créations, plus loin et plus fortement que Dada, a fortement bouleversé le monde de l’art car il a permis de poser la question du rapport entre l’art et la réalité, entre le fonctionnel et l’artistique, entre la pensée et le quotidien. Il a osé s’aventurer sur des territoires mentaux inconnus, sortir des zones de confort et explorer d’autres formes de création. Il a été comme une liberté nouvelle encore importante de nos jours, sans doute plus encore en posant de l’espoir pour le futur.

Il a influencé des pans entiers de la création au-delà de l'écriture, de la peinture et de la photo. Le surréalisme influencera aussi le design, la pensée politique comme une forme d'insurrection à l'ordre établi, le théâtre, la musique...

Canapé design inspiré du surréalisme

Parmi les grands artistes du surréalisme, citons Salvador Dali, Max Ernst, René Magritte, Francis Picabia, Jean Arp, Man Ray, Joan Miro

Quelques oeuvres surréalistes en galerie

Coloriages 

Coloriage Joan Miro

Coloriage René Magritte

Coloriage Salvador Dali

Coloriage Salvador Dali

"Lunch atop a Skyscraper"

(déjeuner en haut d'un gratte-ciel)

C’est un des plus célèbres photos des Etats-Unis d’Amérique. Tout le monde l’a vu au moins une fois si ce n’est un des innombrables détournements qui ont été réalisés pour des publicités ou autres visées médiatiques.

On y voit 11 ouvriers tels des funambules assis sur une poutre au 69^ème étage d’un gratte-ciel en construction à New-York en 1932. Nous sommes exactement le 20 septembre. Au-dessous, le vide vertigineux et la ville à 260 mètres plus bas.

Huit décennies plus tard, cette image n’a rien perdu de sa force, de son mystère. Elle apparaît comme le cliché du rêve américain, un pays qui construit toujours et toujours, et de plus en plus haut.

Ces célèbres travailleurs de l’acier, une cigarette à la bouche, sont restés longtemps anonymes. On ne connaît même pas avec certitude le photographe qui a immortalisé cette scène. C’est d’autant plus étonnant que c’est l’archive la plus demandée auprès de l’agence Corbis, bien avant le cliché d’Einstein tirant la langue. Depuis presqu’un siècle, tous les fantasmes circulent sur le nom des ouvriers et du photographe.

En fait, même si la situation est bien réelle et sans trucages, il s’agit d’une publicité pour le futur building du Rockefeller Center (cela n’a été dévoilé qu’en 2012). Certains ont pensé à tort qu’il s’agissait de la photo de l’Empire State Building.

C’est dans le New-York Herald Tribune que la photo est parue le 2 octobre 1932. L’objectif ? Vendre des espaces de bureau dans ce futur grand complexe au style Art déco.

Sa construction a nécessité la présence de 4.000 ouvriers qu’on payait alors 1,50 $ de l’heure. L’Amérique était dans une grande dépression suite au krach de 1929 et malgré le risque évident de ce travail, il était difficile de refuser un tel emploi. Statistiquement, cette construction a comptabilisé un mort par tranche de 10 étages.

Qui a pris cette photo ? A un certain moment, elle a été attribuée à Charles Clyde Ebbets.

Le patron de ce projet de construction, le magnat du pétrole John Davison Rockefeller, avait envoyé un groupe de photographes sur la tour pour faire la promotion d’un rêve immobilier nommé « city within a city », en gros « une ville dans la ville ».

Trois photographes étaient présents sur les lieux : Charles C. Ebbets, Thomas Kelley et William Leftwich. Plusieurs clichés de cette époque les montrent en train de cibler le bâtiment. Donc, de toute évidence, l’un des trois doit être l’auteur de ce « Lunch atop a Skyscraper ».

Le cliché n’était pas personnellement crédité quand l’agence Corbis a racheté les archives de l’agence Bettman/Acme, notamment parce que dans les années 50, ce n’était pas dans les habitudes de créditer les photos.

En fait, d‘autres images prises à ce moment par ces photographes attestent avec un grand degré de certitude que l’un d’eux est l’auteur du cliché, entre autres un montrant des ouvriers nonchalamment endormis sur une poudre de métal avec un pied et une main dans le vide. Cette photo provient d’une agence concurrente International News Photo.

Dans un certain sens, derrière le cliché publicitaire, c’est une image de « propagande » sur le rêve de l’Amérique qui a fait traverser l’Atlantique à des milliers d’émigrants. Le succès planétaire de cette photo porte aussi cette part d’explication.

Il y a une autre question qui a traversé l’esprit de nombreux curieux.

Qui sont ces funambules sans nom qui semblent si à l’aise sur leur poutre ?

De nombreux enfants ou petits-enfants d’émigrants irlandais ont cru reconnaître un parent ou un grand-parent. Mais ils n’ont jamais pu le prouver.  

Deux documentaristes d’origine irlandaise, Sean O Cualain et son frère Eamonn se sont lancés dans une enquête à ce sujet : mettre un nom sur chaque visage des ouvriers de ce Lunch atop a Skyscraper.

Ils ont commencé en 2011 alors que Sean tombe sur une image de ce fameux Lunch sur le mur d’un vieux pub, le Whelan, à Shanaglish dans le comté de Galway en Irlande. Il est indiqué en dessous que deux des ouvriers s’appellent Sonny Glynn et Mathy O’Shaughnessy. Le patron du bar leur explique que les deux hommes en question sont originaires du village de Shanaglish, qu’ils ont émigré à New-York  dans les années 20 et que cette photo lui a été envoyée par Pat Glynn, résidant actuellement à Boston.

Les deux frères O Cualain partent aux Etats-Unis d’où ils reviendront un an plus tard avec un documentaire sur le sujet et intitulé « Men at Lunch » comme pour paraphraser l’expression Men at work. Le documentaire a été présenté au Festival du film de Toronto en 2013.

Les frères irlandais ont ainsi farfouillé dans les archives du Rockefeller Center, aussi en Pennsylvanie, dans les archives de l’agence Corbis, un entrepôt situé à 70 mètres sous terre. Là, ils y découvriront la photo originale des ouvriers endormis sur la poutre avec leurs noms écrits au dos à la mine de plomb. Ce sont aussi ceux apparaissant sur la photo du Lunch. Le troisième homme en partant de la gauche (en salopette) s’appelle Joseph Eckner et le troisième an partant de la droite, Joe Curtis.

Au jour d’aujourd’hui, sept ouvriers sur les onze restent encore non identifiés malgré les appels à témoin lancés par les deux frères irlandais.

Mais, en fait, pour ces derniers comme pour tout le monde, cela permet de garder la magie de cette photo qui a fait le tour du monde. Elle hante l’imaginaire collectif au point d’avoir copiée, reproduite en sculpture à New-York par l’artiste Sergio Furnari, détournée aussi de multiples fois. Vous trouverez en dessous plusieurs exemples de ce type.

Version sculptée de Sergio Furnari à New-York

Quelques détournements de ce cliché

Publicité pour Volskwagen

La Cène à Manhattan

Version personnages Lego

                                          Version sans poutre

Vidéos 

Construction du Rockefeller Center - 1932

Bande Annonce du documentaire "Men at Lunch"

Documentaire Men at Lunch

(D’après un article du Nouvel Obs)

Huile sur toile, 84 x 152 cm, Chicago, Art Institute

Edward Hopper est considéré comme un des principaux représentants du courant naturaliste ou de la « scène américaine ».

Au début du XXème siècle, Edward Hopper fit plusieurs visites à Paris où il découvrit de nombreux artistes comme les maîtres néerlandais (Rembrandt par exemple et sa « Ronde de Nuit » qu’il appréciait tout particulièrement). Il choisira de ne pas suivre ses contemporains dans leurs expériences cubistes et préfèrera l’idéalisme de peintres réalistes comme Gustave Courbet ou Jean-François Millet. On note cette influence dés ses premières œuvres.

Son célèbre tableau « Oiseaux de nuit », lui, a été très influencé par deux autres peintres impressionnistes Edgar Degas (dont il était un grand admirateur) et Edouard Manet. Grâce à eux, il mit en œuvre la tension dramatique qu’on perçoit dans la distance entre les différents éléments du tableau. Cette distance laisse un espace mental au spectateur pour qu’il puisse y placer ses propres interprétations.

Entre 1913 et 1923, l’artiste travaille comme illustrateur de magazines. Il n’aime pas du tout ce travail. Cependant cela lui permet de perfectionner ses capacités de composition des éléments d’un tableau. Il apprend aussi à épurer ses traits.

« Oiseaux de nuit » est un tableau réaliste d’une grande sobriété. En dehors de la multitude discrète de détails dans le bar allumé, le reste ressemble à un vide apparent.

Le spectateur concentre naturellement son regard sur le « dîner » inspiré d’un restaurant de Greenwich Avenue à New-York. Les néons fluorescents constituent l’unique source de lumière du tableau. Ce bar est décalé sur la droite de l’œuvre, donnant ainsi à penser qu’il n’est pas au centre de l’intérêt de la peinture. Car le centre du tableau attire plutôt le regard vers la rue sombre, déserte, vide de mouvement, éteinte dans tous les sens du terme. Et si on considère que l’intérieur du bar représente la vie, alors celle-ci apparaît dans une profonde solitude. En dehors du barman qui regarde un des clients, les trois personnages ne se parlent pas, ne se regardent pas. Ils semblent absorbés et plongés dans leur pensée, comme si l’autre n’existait pas.

On retrouve ce type de personnages dans d’autres tableaux d’Edward Hopper, l’image d’une certaine Amérique où les gens sont étrangers l’un à l’autre, un monde moderne marqué par la solitude et l’isolement, par l’individualisme.

On qualifie souvent le travail d’Hopper de « cinématique » en raison du fort contraste entre la lumière et l’ombre qui rappelle l’atmosphère des films noirs de cette époque.

Le sociologue Richard Sinnett parle à ce sujet du « paradoxe de la solitude en pleine visibilité ». L’Amérique des années 30-40 vue par Hopper est emplie de gens qui se côtoient sans vraiment communiquer ensemble. Le travail d’Edward Hopper touche encore aujourd’hui, nous émeut parce qu’il dit en précurseur le monde du XXIème siècle où la communication par portable, écrans et messageries nous replonge dans l’isolement et le vide de chacun, pourtant côte à côte en pleine lumière. Cette Amérique des années 30-40 préfigure notre Occident d’aujourd’hui.

Les détails du tableau

La partie gauche du tableau représente la rue vide et les magasins fermés. On remarque quelques ombres dans les vitrines dont une caisse enregistreuse à peine éclairée. De même, on devine des formes aux fenêtres. Un objet ? Une personne ? Un vêtement ? Difficile à dire. Juste l’idée qu’il y a une vie endormie derrière cette fenêtre.

Hopper aimait travailler les effets de lumière sur les objets. On retrouve ce type d’approche dans « Nuit dans le parc » (1921) et « Fenêtres nocturnes » (1928)

Edward Hopper – Nuit dans le parc (1921)

Edward Hopper - Fenêtres Nocturnes (1928)

Les deux clients

Même s’il n’y a pas beaucoup d’intimité entre l’homme et la femme, tous les deux semblent proches du fait du vaste espace qui les entoure. Ils sont proches et éloignés à la fois, comme deux étrangers qui ne savent pas communiquer entre eux. Ce sont peut-être les « Oiseaux de Nuit » qui donnent le titre au tableau, des clients insomniaques (maladie du monde moderne)  ou des rapaces en quête de proie.

Les deux percolateurs

Ils constituent le pendant inanimé aux deux personnages qui sont assis derrière le zinc. Deux humains comme deux machines. L’éclat vif des percolateurs comme le rouge vif de la robe de la femme. Les percolateurs semblent, par leur taille et leur positionnement, avoir autant d’importance que les personnages.

Salière et poivrier…

C’est avec un réalisme très minutieux qu’Edward Hopper a peint la salière, le poivrier et les serviettes, le sandwich et les tasses. Ce sont peut-être ces éléments qui donnent la vie dans ce bar. Posez vos doigts sur ces petits détails et remarquez comme le débit de boissons devient d’une tristesse absolue, presqu’un musée de cire.

Le troisième client

Il a le dos tourné. Son regard est fixé droit devant, à demi plongé dans l’obscurité. Cet homme passe presqu’inaperçu au premier regard sur le tableau. Et pourtant il est un élément important de l’œuvre, lui donnant une part supplémentaire de mystère, l’impression d’une réalité opaque. On imagine sans vraiment voir.

"Oiseaux de Nuit" - Parodies et détournements

Version Tintin et Milou

Version Star Wars - La Guerre des Etoiles

 Version Science-Fiction

 Version prédateur

Version Play-Mobil

Version fantastique

Version religieuse

 Version 3D

Version Espace

Version Star Trek

Version Simpsons

Version Super Héros

Version Animaux

Version requins

Version Fin du Monde

Intégration dans une photo

Version Cinéma - Wim Wenders "The End of violence"

   
Nighthawks au théâtre

Coloriages

"Oiseaux de nuit" animé

Autres tableaux d’Edward Hopper

Chambre à New-York (1932) - Edward Hopper

Compartiment C (1958) - Edward Hopper 

Conférence nocturne

"Gayle in the train" - Edward Hopper

Route dans le Maine (1914)

Port de Gloucester (1912) - Edward Hopper

Summertime ( Edward Hopper)

"Jeune fille à la machine à coudre" (1921) - Edward Hopper

Portrait d'Orleans - Edward Hopper

Autoportrait - Edward Hopper

Soir bleu (1914) - Edward Hopper

"Sunlight in a cafeteria" (1958) - Edward Hopper

Là où se trouvait l'atelier d'Edward Hopper à Washington

"Andy Warhol "20 Marylin" - Sérigraphie - 197 X 116 cm - Collection Particulière

Marylin Monroe (née en 1926) meurt en 1962, à l'âge de 36 ans, devenant par là même une icône intemporelle du cinéma mondial et même au-delà du cinéma.

Son décès intervient en pleine période de  développement du Pop Art, ce courant artistique qui surfe sur les valeurs de l’Amérique nouvelle, ses produits de consommation de masse, son American Way of Life, ses icônes comme Marylin et Elvis.

(voir article :  Le Pop Art, un courant artistique des années soixante)

Aussi, tout naturellement, un des grands concepteurs du Pop Art, Andy Warhol va-t-il entamer plusieurs sérigraphies de la star. Il prendra appui sur des clichés en noir et blanc pris par Gene Korman en 1953 pour le film Niagara.

Andy Warhol utilise la technique de la sérigraphie en transférant l’image de Marylin sur une toile. La sérigraphie permet de reproduire la même image avec, à chaque fois une légère différence. Les variations peuvent provenir de l’encrage, du déplacement de l’écran. Les techniques utilisées par l’artiste sont partiellement maîtrisées par lui mais pas complètement, donnant lieu ainsi à une part d’aléatoire.

Le transfert de l’image a lieu par l’intermédiaire d’un écran de soie sur lequel s’applique l’encre en dosages différents provoquant ainsi des tâches ou des ombres noires qui modifient l’image et lui suggèrent la présence de la mort.

D’autres parties sont retravaillées avec des couleurs criardes (cheveux, lèvres, paupières). Le côté artificiel est amplifié sans que cela ne supprime le réalisme de l’image.

Pendant quatre mois, il réalisera ainsi 20 tableaux  inspirés de cette photo, en retouchant à la peinture chaque cliché pour en signifier les différences.

En apparence, la répétition du visage de l’actrice, sujet unique de la toile, pose la question de savoir où se trouve la distinction entre une toile de peinture plus traditionnelle et un simple travail de retouche d’image, c’est-à-dire entre une culture savante de la peinture et une culture populaire.

Il y a certainement beaucoup d’ambigüité dans la démarche d’Andy Warhol. Comme beaucoup de gens, il est fasciné par la beauté, le strass et les paillettes de ces stars hollywoodiennes. En même temps, il cherche à supprimer cette idée de la star idéalisée en la montrant dans une série d’images quasi semblables tel un produit de consommation de masse.

Pourtant, il réintroduit l’acte artistique par le jeu des multiples variations qui différencient chaque visage même d’un détail, d’une petite modification d’encrage, d’un léger ombrage supplémentaire ici ou là.

Au final, l’œuvre n’a plus rien à voir avec les images de papier glacé des magazines. Elle est devenue une toile à part entière.

On a même souvent rapproché ces Marylin d’Andy Warhol des icônes byzantines (l’art ancien du temps de la Constantinople catholique, site de l’ancienne cité grecque de Byzance). L’exemple le plus frappant en est la basilique Sainte-Sophie d’Istanbul et la flamboyance de son dôme, mais surtout les couleurs brillantes et la présence permanente du symbolisme qui crée une atmosphère mystique. Andy Warhol connaissait parfaitement cette culture, lui qui avait été éduqué et baigné dans la culture byzantine-catholique.

A présent ces Marylin sont devenues à leur tour des icônes.

Au lieu d’abolir les frontières de l’art, elles sont devenues des chefs d’œuvre de l’art occidental à part entière.

Au-delà de l'oeuvre, ces techniques de travail sur la photo a beaucoup été utilisées dans les établissements scolaires, réalisant en partie l'objectif du Pop Art : rendre l'art populaire...

Biographie d’Andy Warhol

Naissance en 1928 dans une famille d’ouvriers immigrés de Pittsburgh (Pennsylvanie)

Il suit une formation d’illustrateur publicitaire au Carnegie Institute of Technology

En 1949, il s’installe à New-York. Il y devient un illustrateur de renom.

En 1962, il présente sa première exposition à Los Angeles. 32 tableaux de ses fameuses boîtes de conserve Campbell’s Soup Can.

A partir de cette année-là, il devient l’un des grands noms du Pop Art. Il se tourne vers le procédé de la sérigraphie.

En novembre 1962, il expose ses tableaux sur Marylin Monroe.

En 1963, il fonde The Factory (« L’Usine »), un atelier situé à Manhattan au 231 East 47th Street. Ce lieu de création devient très vite un endroit de regroupement d’artistes, d’acteurs, de musiciens underground (dont le Velvet Underground de Lou Reed) et toute une faune d’exclus et de drogués.

Dans ce lieu il conçoit de nombreux tableaux basés sur la reproduction en série. La plupart sont réalisés par ses assistants.

Il réalise aussi des films expérimentaux  dans lequel apparaissent ses amis (dont Lou Reed).

En juin 1968, une féministe extrémiste Valerie Solanas tire trois coups de feu sur lui. Il en réchappe de justesse. Les séquelles de cette tentative d’assassinat le marqueront jusqu’à sa mort.

Il rompt  petit à petit avec la contre-culture radicale et anticapitaliste des années 60.

A partir de 1970, Andy Warhol vend des tableaux aux plus riches et affirme sans honte que l’art consiste à faire des affaires. Enorme provocation sans doute. Mais elle sème le trouble chez ses admirateurs. 

Les critiques sont alors divisés sur cette dernière partie de sa carrière : pour les uns, c’est un jeu moqueur, une satire provocatrice de l’art moderne comme du monde moderne. Les autres y voient une dérive impardonnable de ce qui fut son art premier.

Il meurt en 1987 d’une attaque cardiaque après une opération de la vésicule biliaire. 

Coloriages à imprimer

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Le Pop Art, un courant artistique des années soixante

Andy Warhol

Naissance du Pop Art

"Campbell's Soup Can", célèbre sérigraphie d'Andy Warhol (1964)

Quand on parle de Pop Art, on pense tout de suite à Andy Warhol dans les années 60.

Mais d’où vient ce courant artistique ?

Pour cela, revenons en Grande-Bretagne dans les années 50…

 Richard Hamilton

La première fois que le mot Pop apparaît, c’est sur un montage photo de 1956 à la Whitechapel Gallery de Londres, un collage intitulé « Just What Is It that Make’s Today’s Homes So Different, So Appealling ? » ("Juste ce qui fait nos maisons d'aujourd'hui si différentes si attrayantes ?") dans lequel apparaît une sucette avec le mot Pop dessus.

Ce collage est composé d’images issues de magazines américains.

L’auteur de ce collage s’appelle Richard Hamilton (né en 1922). Il appartient à un groupe de critiques, peintres, architectes, sculpteurs, et universitaires britanniques appelé « Independent Group ». Depuis 1952, ils se réunissent régulièrement à l’Institute of Contemporary Arts de Londres. Ensemble ils discutent de la fascination que leur inspire la culture de masse américaine  avec ses publicités flamboyantes, sa musique populaire, ses magazines complètement différents, aussi ses bandes dessinées truffées de super héros.

Nous sommes dans une période où les USA voient se développer le rock (Bill Haley and the Comets, Elvis Presley, Chuck Berry), les chansons des crooners comme Franck Sinatra (The Voice), Dean Martin, aussi les musiciens noirs comme Louis Prima,  Nat King Cole et Harry Belafonte. C’est l’époque royale de la consommation de masse, le monde et de l’image et de la publicité, l’accès à davantage de confort. C’est l’après-guerre flamboyante des Etats-Unis, nouveaux rois du monde. 

L’exposition qui a lieu à la Whitechapel Gallery de Londres en 1956 présente des œuvres qui célèbrent cette culture américaine. D’ailleurs l’accueil de l’expo se fait avec la musique d’un juke-box. Les œuvres présentées (comme celle d’Hamilton) se veulent l’héritage d’une tradition et en même temps une source qui trouve son inspiration dans l’iconographie et les techniques de la culture de masse. En clair : un art populaire (dans le sens « conçu pour un large public »), éphémère (des solutions à court terme), jetable et facilement oublié, bon marché, produit en masse, jeune, spirituel, sexy, plein d’astuces et surtout qui rapporte beaucoup d’argent.

En 1956, à l’époque de cette exposition, le temps du Pop Art n’est pas encore connu. Un critique anglais Lawrence Alloway l’utilisera en 1958.

Mais le monde artistique reste encore indifférent à ce courant marginal dans un univers des arts dominé par l’univers radical et triomphant de l’expressionnisme abstrait américain avec des artistes comme Jackson Pollock, Frantz Kline, Willem de Kooning et Mark Rothko qui nourrissent leurs œuvres de concepts psychanalytiques concernant le mythe, la mémoire et l’inconscient tirés des textes de Carl Jung (1875-1961) ou Sigmund Freud (1856-1939). Ce mouvement artistique a pris de l’ampleur dans les années 40 aux USA à la recherche du geste spontané de l’artiste sur la toile. La façon de peintre a autant d’importance que la toile elle-même. Ce sont souvent d’immenses toiles (Jackson Pollock par exemple) où l’acte de peindre (Action Painting) peut donner lieu à des danses autour de la toile posée au sol, de la peinture qui gicle et qui dégouline.

Jackson Pollock - Convergences

Dans cette atmosphère artistique dominante, les membres de l’Independent Group de l’Institut d’Art Contemporain de Londres passent encore au second plan.

Pourtant aux Etats-Unis, quelques œuvres nouvelles dans le style Pop remettent en question l’hégémonie de l’expressionnisme abstrait. Il s’agit de tableaux de Jasper Johns (né en 1930) dont une série de drapeaux des années 50,

Three Flags by Jasper Johns

ou encore Robert Rauschenberg (1925-2008) avec ses œuvres où s’intègrent des collages de magazines ou des symboles de la société de consommation comme des bouteilles de Coca. Un nouveau langage apparaît ainsi aux USA.

 Robert Rauschenberg

Au début des années 60, le Pop Art devient un phénomène culturel incontournable autant en Grande-Bretagne qu’aux Etats-Unis.

En 1961, l’exposition anglaise « Young Contemporaries » fait découvrir de jeunes artistes encore quasi inconnus : David Hockney, Peter Blake, Patrick Caufield ou Derek Boshier.

 L'exposition Young Contemporaries en 1961 avec David Hockney et Derek Blake

De l’autre côté de l’Atlantique, en 1962, on voit se tenir les premières expositions de Pop Art. On découvre alors des artistes comme Tom Wesselman, Roy Lichtenstein et surtout un certain Andy Warhol.

Lichtenstein peint d’immenses images inspirées de la bande dessinée, Andy Warhol conçoit des sérigraphies  comme Campbell’s Soup Can qui provoquent d’abord l’incompréhension, reposant la question de ce qu’est l’art. Est-ce qu’une boîte de conserve reproduite en série avec des variations de couleurs, c’est de l’art ?

Les amoureux des beaux-arts (qu’ils soient pour ou contre le capitalisme) sont déroutés par cet art nouveau qui colle aux images de la société triomphante de l’argent, un artiste remettant plutôt en question la société alors qu’on se trouvait là dans un concept de proximité extrême avec les supports et les objectifs de cette société matérialiste.

Yoko Ono (femme de John Lennon) disait : « Nous rejetions avec conviction et détermination Elvis et le rock’n roll… Nous nous intéressions à l’art."

Le critique Lawrence Alloway ajoutait : « Nous n’éprouvions pas de dégoût pour la culture commerciale, comme c’était l’usage chez les intellectuels, mais nous l’acceptions comme telle, nous en discutions avec passion et nous la consommions avec enthousiasme. »

Paradoxalement, il arrivera que les tableaux de Pop Art deviennent des critiques de la société de consommation, une dénonciation de la publicité et de ces nouveaux modes de vie « The American Way of Life ».

Les aspects les plus sombres de cette société vont apparaître dans des sérigraphies d’Andy Warhol sur des chaises électriques et des accidents de la route. Ce ne sont encore que des exceptions dans cet univers artistique où les idoles des jeunes (Elvis, Marilyn Monroe) et les objets de consommation sont beaucoup utilisés par ces artistes, une façon de se révolter contre la culture dite « savante » et élitiste, contre le bon goût décidé par les tenants de la pensée dominante.

Clairement, petit à petit, le Pop Art se développera dans l’idée d’une opposition à l’ordre établi avec ce paradoxe d’être une culture plus facile d’accès et qui permet aussi de s’enrichir, à l’image du monde dans lequel ils vivent.

De plus l’iconographie qu’ils pillent pour créer leurs œuvres suscite chez eux respect et admiration, d’autant plus que beaucoup d’entre eux sont à l’origine des photographes, des illustrateurs, des dessinateurs publicitaires.

Andy Warhol, par exemple, a débuté comme illustrateur de magazine. James Rosenquist concevait des affiches publicitaires avant de se tourner vers les Beaux-Arts.

Malgré l’ambition affichée de détruire la barrière entre culture populaire et culture savante, ces artistes n’en restent pas moins des représentants de la seconde catégorie. Leurs œuvres sont exposées dans des galeries, achetées par des gens fortunées et célébrées comme des chefs d’œuvre uniques.

Ces contradictions se retrouvent dans les liens fréquents avec la contre-culture au début des années 70, notamment Andy Warhol avec le Velvet Underground le groupe new-yorkais de Lou Reed. 

Il y aura quelques incursions dans la culture populaire comme la couverture de l’album des Rolling Stones « Sticky Fingers » en 1971 par Andy Warhol avec la célèbre braguette (une vraie fermeture éclair dans les premières éditions) ou le collage de Sergent Pepper’s Lonely Heats Club Banden 1967 des Beatles par Peter Blake et sa femme.

En fait le Pop Art ne fut jamais un mouvement cohérent, seulement un mouvement qui réunit des artistes de sensibilités très différentes, aux parcours très variés.

Certains refusent même de se revendiquer comme artistes. C’est le cas d’Andy Warhol soulignant avec provocation que la seule valeur de ses œuvres se trouve dans la valeur monétaire sur le marché surévalué de l’art. Il utilisait cette célèbre formule qui veut tout dire et rien dire : « L’art commercial est de l’art véritable, et l’art véritable est de l’art commercial. »

Le critique Morse Peckham ajoutera en 1967 au sujet du travail d’Andy Warhol : « L’œuvre ne laisse rien à faire au critique, et rien à faire au public, à part l’acheter, s’ils sont assez bêtes pour cela, et ils le sont sans aucun doute. »

Au début des années 70, le Pop Art commence à décliner même s’il reste encore productif. Ses œuvres restent des témoignages éloquents d’un monde du début de la consommation de masse.

Ce fut la première tentative de réflexion sérieuse sur le rôle de l’artiste et de l’œuvre d’art dans un monde saturé par les médias de masse. Marcel Duchamp avait déjà posé la question en 1917 avec  son urinoir et son commentaire associé : « Ceci n’est pas un urinoir ».

Les questions posées par le Pop Art à cette époque sont encore pertinentes aujourd’hui, peut-être même encore plus du fait de l’extrême concentration du pouvoir économique.

Le développement très américain de ce courant artistique a presque fait oublier qu’il est né en Angleterre.

Oeuvre de Richard Hamilton 

Mao Tsé Toung par Andy Warhol

 
Sérigraphie Elvis par Andy Warhol

 Sérigraphie Elisabeth Taylor par Andy Warhol

Les techniques du Pop Art ont aussi beaucoup influencé les créateurs du XXIème siècle et l'approche des arts visuels à l'école avec notamment le travail sur le collage, l'assemblage peinture et images photos, le travail sur le portrait. 

(D'après "Tout sur l'Art, panorama des mouvements et des chefs d'oeuvre")

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Histoire d'une oeuvre / "Le Baiser " de Gustav Klimt (1907-1908)

Histoire d'une oeuvre / "20 Marylin" - Andy Warhol -1962

Histoire d'une oeuvre / "Les Nymphéas" de Claude Monet - 1915-1926

Histoire d'une oeuvre / "Guernica" de Pablo Picasso - 1937

Huile sur toile - 180 x 180 cm - Vienne, Österreichische Galerie Belvedere

La version définitive du tableau occupa plusieurs années de la vie de Gustav Klimt. L’œuvre représente deux humains enlacés.

Il fut d’abord inclus dans la frise intitulée : « Frise Beethoven » dans la section « Un baiser pour le monde entier ».

Le peintre ajouta un autre baiser en 1904 dans une série de peintures murales pour une salle à manger bruxelloise du Palais Stoclet dans un section appelée « Epanouissement ».

Le tableau définitif a été peint à l’apogée de sa période dite « dorée ».

Les motifs décoratifs abstraits représentent des formes autant géométriques que florales. Ils prédominent sur la toile, bien au-delà des deux personnages.

En 1907-1908, le tableau arrive dans une période difficile de la carrière de l’artiste. Il vient de quitter la Sécession viennoise, un courant artistique de la capitale autrichienne qui a connu son heure de gloire de 1892 à 1906. La scission a lieu entre les « naturalistes » (autrement les académiques) et les symbolistes dont faisait partie Gustav Klimt.

Avec plusieurs de ses collègues qui ont quitté le groupe, il organise en 1908 une exposition appelée « Kuntschau » (« Exposition d’art »). Elle est très mal accueillie et c’est une catastrophe financière. Les critiques sont très féroces à son égard.

Juste avant sa fermeture, le gouvernement fait acquisition de la toile du Baiser, jugée d’intérêt national.

Depuis ce temps, « Le baiser » de Klimt est considéré comme un chef d’œuvre de la peinture.

Sa composition

Dans toutes les variations sur le baiser peintes par Klimt, le visage de l’homme reste caché. Le regard est porté quasi exclusivement sur la femme, ici aux yeux clos. Celle-ci semble d’une grande pâleur. Elle rappelle des tableaux représentant des têtes coupées, thème très apprécié des symbolistes.

L’homme épris est debout tandis que la femme est agenouillée (pied saillant). L’homme semble la dominer. Au vu de la mesure des jambes, si la femme était debout, c’est elle qui le dominerait. C’est une des ambigüités du tableau.

Des serpentins s’échappent sous le corps de la femme et couvrent la partie droite du parterre de fleurs. Ces serpentins font peut-être partie de son habillement, mais plus logiquement il semblerait qu’ils représentent des tresses stylisées qui seraient la suite de sa chevelure.

Dans l’art symboliste, les femmes fatales sont souvent représentées avec une longue chevelure pour prendre au piège leurs victimes.

La seule note réaliste du tableau est le parterre de fleurs. Gustav Klimt adorait les fleurs. Il les laissait pousser librement dans son jardin. Il aimait aussi les peindre. Toutefois, sur ses toiles, elles ne sont jamais incluses dans des paysages plus conventionnels. Elles accompagnent les sujets symboliques du tableau.

"Klimt est l’un des plus grands peintres  "des mains". Toute la puissance et la suavité de cette oeuvre extraordinaire est simplement exprimée dans la position des mains qui expriment en effet le divin, la spiritualité et la merveilleuse délicatesse d’une sensualité qui n’est que suggérée, donc nécessairement forte et enivrante." (complément d'information par Gibril)

L’or et la mosaïque

Klimt avait une grande connaissance des arts appliqués. Cela eut des effets indéniables sur son travail de peintre. Son père étant orfèvre, cela lui permit de se familiariser avec ce métier même sans le pratiquer vraiment.

Dans l’œuvre du Baiser, l’artiste utilise un revêtement de poudre dorée pour obtenir cet arrière-plan si particulier, très chatoyant.

Ce goût de Klimt pour les couleurs dorées riches et flamboyantes vient de son intérêt pour la mosaïque. Il l’étudia à Vienne. Sa passion redoubla quand il visita Ravenne en 1903 avec entre autres ses éblouissantes mosaïques byzantines.

A son retour, il adapta ces techniques à son travail de peintre. Cela transparaît évidemment dans « Le Baiser » par ce cocon doré dans lequel sont enveloppés les amants, les séparant du monde extérieur. Les motifs et les riches incrustations évoquent de toute évidence la mosaïque.

Biographie de Gustav Klimt

1876-1892

Klimt a quatorze ans quand il commence son apprentissage à l’Ecole des arts décoratifs de Vienne. C’est au sein même de l’école qu’avec son frère Ernst (1864-1992) Franz Matsch (1861-1942), il crée une société qui réussit à obtenir des commandes pour la décoration de bâtiments à Vienne.

En 1893, leur société a tellement de succès qu’elle décroche une commande pour un ensemble de peintures murales à l’université.

Pourtant en parallèle, Klimt se sent de plus en plus attiré par l’avant-garde.

En 1897, il fait partie des fondateurs de la Sécession, un nouveau courant artistique viennois. Son style nouveau n’est pas du tout apprécié des autorités et il finira par abandonner le projet de décoration de l’université.

Il quitte la Sécession en 1905 suite à des dissensions entre les artistes du mouvement.

Il est à l’apogée de son art. C’est à ce moment qu’il produira ses chefs d’œuvre comme « Le Baiser ».

En 1910, il est à l’honneur de la Biennale de Venise avec une exposition monographique.

Il concevra aussi l’ensemble le plus spectaculaire de sa carrière au palais Stoclet à Bruxelles.

A partir de 1912, il se consacrera surtout à des portraits de jolies femmes, également des paysages.

Il meurt en 1918 d’une pneumonie avant la fin de la première guerre mondiale. 

Quelques coloriages à imprimer

"Le baiser " revu et corrigé 

Sur une zone de guerre, la tableau prend une toute autre dimension politique et humaniste

Le Baiser, Gustav Klimt

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L'Arbre de Vie de Gustav Klimt

NYMPHEAS

Le matin clair aux saules (1915-1926)

de Claude Monet

Les nymphéas occupèrent 25 années de l’existence de Claude Monet.

En 1890, le peintre acheta la maison et le terrain adjacent qu’il louait auparavant à Giverny dans l’Eure (Normandie). Ce terrain fut transformé en jardin. Celui-ci était composé d’un grand bassin avec des nymphéas près duquel fut installé un énorme atelier de peinture.

Claude Monet peindra environ 250 tableaux de nymphéas isolés.

 Nymphéas 1906

Mais surtout, l’œuvre majeure des nymphéas est composée d’un immense ensemble décoratif dans le but d’envelopper la vue du spectateur.

Le peintre créa ce qu’on appela la Chapelle Sixtine de l’impressionnisme, un ensemble de peintures murales de grande taille montrant différents aperçus du bassin.

Il fut soutenu dans ce projet par son ami Georges Clémenceau, alors premier ministre.

Claude Monet mourut en 1926. Un an après sa mort, les huit toiles de cet immense ensemble mural furent exposées au Palais de l’Orangerie à Paris dans deux salles ovales à l’extrémité du jardin des Tuileries, tout près du musée du Louvre. Cette toile gigantesque  est le fruit d’une observation fine et répétée du bassin et de souvenirs d’instants que Monet avait peints  en vitesse au début de l’impressionnisme.

L’inspiration reste la même : l’eau et ses reflets changeants, ce qu’il appelait son « enveloppe », cette atmosphère lumineuse qui varie selon les scènes et les heures du jour.

Monet disait à propos de son bassin de nymphéas :

« L’essence du motif est un miroir d’eau qui change d’aspect à chaque instant. »

  Nymphéas 1907

Présentation de l’artiste

 Claude Monet en 1899

Claude Monet est né le 4 novembre 1840 à Paris. Il grandit dans la ville du Havre (Normandie).

1851-1857

Le peintre vécut très tôt de son art, notamment en vendant des caricatures au fusain dans la ville de son enfance, Le Havre. Il va apprendre la technique de la peinture à l’huile auprès d’Eugène Boudin (1824-1898). Tous les deux vont s’inspirer des travaux en plein air du hollandais Johan Barthold Jongkind (1819-1891).

Johan Barthold Jongkind - 1875

1858-1872

Monet va s’installer à Paris. Il est encore un jeune homme de 18 ans quand il commence à étudier dans l’atelier de Charles Gleyre (1806-1874). Il y fera la connaissance de Renoir, Bazille et Sisley. L’impressionnisme naîtra de leurs expériences pour capter les effets fugitifs de la lumière lors de séances de travail en plein air.

Claude Monet épousera son modèle Camille Doncieux en 1870.

Camille Doncieux , Portrait - par Claude Monet - 1877

Le critique d’art Louis Leroy dira de son tableau intitulé « Impression, soleil levant » qu’il représente la baptême du mouvement impressionniste.

Impression, soleil levant - 1872

1873-1880

Camille Doncieux meurt en 1879. Suzanne Hoschedé élèvera ses deux fils avec ses propres enfants à Paris. En 1880, les deux familles s’installent ensemble dans l’Eure.

1881-1926

A partir de cette période, les œuvres de Monet commencent à atteindre des prix élevés. En 1890, le peintre acquiert la propriété de Giverny.

Il meurt à Paris le 8 décembre 1926 à l’âge de 86 ans. 

 Nymphéas

 Nymphéas

 Nymphéas 

Coloriages - Les Nymphéas

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Article d'après les livres "D'art d'Art" de Frédéric et Marie-Isabelle Taddéi

et "Tout sur l'art - panorama des mouvements et des chefs d'oeuvres" sous la direction de Stephen Farthing